Изображения в стиле либерти: Очарование стиля либерти

особенности стиля, фотографии фасадов и интерьеров в этом стиле.

Стиль модерн имеет условные хронологические границы: конец 1880-х — 1914 год — начало Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.

В период модерна происходило переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства.

• В каждой стране этот стиль имеет собственное название: в США — Тиффани, во Франции — ар-нуво, в Германии — югендстиль, в Австрии — стиль сецессион, в Англии — модерн-стайл, в Италии — стиль либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst (новое искусство), в Швейцарии — еловый стиль, в России — модерн.

• Модерн отказывается от традиционных классических архитектурных принципов — симметрии, ордера и античного декора фасадов — в пользу природных плавных текучих форм. Кривая изогнутая линия — главная черта в декоре фасадов и интерьера.

Особняк С.П. Рябушинского, архитектор Ф. Шехтель, Москва, 1900 год

Особняк «Дом Шаронова», архитектор Ф. Шехтель, Таганрог, 1912 год

Особняк А. Курлиной, архитектор А. У. Зеленко, Самара, 1903 год

Маскарон на особняке Е.Е. Карташова, архитектор А.Л. Обер, Москва, 1902 год

Музей «Архитектура эпохи модерна в Симбирске»Музей модерна. Особняк А.П. Курлиной

• Каждая постройка эпохи модерн обладает индивидуальным архитектурным образом, каждая по-своему уникальна. Исчезает деление на конструктивные и декоративные элементы здания. Фасады превращаются в живые организмы с растительными орнаментами, фантастическими животными или маскаронами в форме женских головок. Они результат свободного полета фантазии художника. Архитектура и изобразительное искусство сближаются, влияют и дополняют друг друга. Здание — это холст, на котором важны даже мельчайшие детали, форма лестничных перил, рисунок дверей и окон…

• Архитектурно-художественный образ здания обязательно учитывает функциональное назначение строения. Строительные материалы модерна — железобетон, сталь, стекло, керамика, бронза, медь, кирпич.

• Основные цвета в модерне — пастельные приглушенные оттенки: табачные, увядшей розы, жемчужно-серые, пыльно-сиреневые.

Интерьер особняка А. Курлиной в Самаре

Декор потолка в особняке А. Курлиной в Самаре

Декор потолка в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Декор потолка в особняке А. Курлиной в Самаре

Лестница в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Музей «Градостроительство и быт Таганрога»Мемориальный Музей-квартира А.М. ГорькогоМузей Ар Деко

• Стилю свойственен принцип единства целого. В модерне здание проектируется «изнутри наружу», то есть от внутренних помещений к внешнему облику строения. Возрождается традиция, когда архитектор проектировал строение от фасада и до мелких деталей. Все — от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников и других составных элементов — решено в одном ключе.

• В оформлении здания часто используется дерево и кованные изогнутые элементы для дверей, лестниц, решеток балконов и ограды строения.

• Двери и окна, как правило, прямоугольные, часто арочные. Двери — иногда во всю стену, раздвижные, распашные или поворотные с богатым растительным орнаментом. Ленточные — во всю стену окна или «магазинные» — широкие, наподобие витрин.

Декоративный десюдепорт над дверью в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Камин, декорированный медными маками, в особняке А. Курлиной в Самаре

Читайте также:

• Мозаика, эмаль, витражи, латунь — любимые техники, используемые для украшения интерьера здания и мебели.

• Древний Египет, Восток, готика, русский стиль — любимые темы для творческого переосмысления в эпоху модерна. Архитекторы на их основе создают романтические, эмоционально насыщенные образы зданий, используя декоративные детали, дающие дополнительную игру света и тени.

Элемент декора стула. Особняк А. Курлиной, Самара

Деревянный маскарон в интерьере. Особняк А. Курлиной, Самара

Настольная лампа. Особняк А. Курлиной, Самара

Капитель колонны с изображением ящерицы и лилий. Особняк С.П. Рябушинского, Москва

Скульптурное оформление стены с изображением совы. Особняк М.П. фон Брадке, Ульяновск

Декоративные орнаменты на потолке. Особняк А. Курлиной, Самара

стиль Либерти в итальянском дизайне

3 февраля 2016 г.

В начале XX века в Италии декоративное искусство, несущее в себе неудержимое желание прогресса недавно объединившегося государства,  переживает свой расцвет. Мастера – краснодеревщики, керамисты, стеклодувы, унаследовавшие древние традиции, зачастую работают вместе с художниками, воплощая в жизнь новые идеи настоящего «итальянского стиля».

Художественное течение рубежа XIX–XX веков, по-разному называвшееся в европейских странах: ар нуво во Франции, Сецессион в Австрии, каталонский модерн в Испании, в Италии получает имя «стиль Либерти».

Цель «стиля Либерти» – улучшить при помощи декора предметы интерьера промышленного серийного производства. Художники искали вдохновение в элегантных линиях самой природы: цветочные мотивы, нежные текстуры и изогнутые линии стали отличительными чертами этого стиля, который распространился по всей стране после Международной выставки декоративного искусства 1902 года в Турине и до начала Первой мировой войны главенствовал в итальянском дизайне.

Один из главных и, пожалуй, самый известный представитель либерти в Италии – Карло Бугатти, отец инженера-конструктора автомобилей Этторе Бугатти.

Родившийся в Милане в 1856 году и закончивший Академию изящных искусств в Париже дизайнер становится знаменитым после Выставки в Турине, когда на комплименты итальянской королевы по поводу его мебели в «мавританском стиле», отвечает: «Вы ошибаетесь, Ваше величество, это мой стиль».

Комната, очертания которой повторяют форму спиралеобразной раковины улитки, становится результатом творческих поисков Бугатти. Четыре стула и стол в центре комнаты представляют собой настоящие скульптурные модели, в которых четкость конструкции гармонично сочетается с изящностью декора.

  По словам критиков, Бугатти становится «первым итальянским дизайнером, не просто мечтающим, но проектирующим настоящую современную мебель».

Еще один герой итальянского либерти – Галилео Кини – архитектор, реставратор и керамист. Вдохновляясь открытиями стеклодувов компании «Тиффани» в области цветного стекла, Кини создает свои первые керамические вазы с подобными эффектами, а затем начинает использовать майолику как ключевой элемент декора интерьеров и экстерьеров, например в кафе «Маргарита» в Виареджио.

В 20-е годы в итальянском дизайне превалируют две тенденции: одна из них тесно связана с миланским неоклассицизмом, вторая основывается на достижениях либерти и венского сецессиона. В русле второго течения создает свои первые керамики Джо Понти.

В 1922 году молодой архитектор начинает сотрудничать со знаменитой фабрикой «Richard-Ginori». Интерес к промышленному дизайну и внимание к итальянским традициям мануфактурного производства, способность «поймать» направление вкусов современников и необычайный талант сделали Понти идеальным директором для «Richard-Ginori».

 Дизайнер был способен одновременно реализовать несколько идей, работать днем и ночью, постоянно создавая эскизы.

 Понти пристально следит за всем процессом производства, создает новые цвета (например, голубой Понти), упаковки и этикетки, придумывает товарный знак продукции, а также обсуждает цену продуктов и рекламную кампанию. Кроме серийной продукции появляются уникальные объекты дизайна от Джо Понти, например «Рука колдуньи», ваза «Мои женщины» или бонбоньерка «Подарок снобам», иронизирующая  над элитарной культурой.

Деятельность Джо Понти, зарождение рационализма в области декоративного искусства отмечают поворот к серийному производству и дизайну в его современном понимании, дизайну, который принято называть «Made in Italy».

МОДЕРН • Большая российская энциклопедия

Л. Тиффани. «Образование». 1890. Витраж для Линсли-Читтенден-холла Йельского университета (Нью-Хейвен, США).

МОДЕ́РН (франц. moderne – но­вый, но­вей­ший, со­вре­мен­ный), стиль в ар­хи­тек­ту­ре, де­ко­ра­тив­но-при­клад­ном и изо­бра­зит. ис­кус­ст­вах кон. 19 – нач. 20 вв. Дру­гие на­зва­ния: ар ну­во и «со­вре­мен­ный стиль» (англ. modern style) в Ве­ли­ко­бри­та­нии и Фран­ции [во Фран­ции так­же «стиль мет­ро» (style Métro), «стиль Ги­ма­ра» (см. Ги­мар Э.), «стиль 1900», «иск-во кон­ца ве­ка» (art fin de siècle) и др.]; «стиль Глаз­го» (Glasgow style) в Шот­лан­дии; юген­д­стиль в Гер­ма­нии; се­цес­си­он в Ав­ст­рии, Че­хо­сло­ва­кии, Поль­ше; «стиль два­дца­ти» (от на­име­но­ва­ния «Об-ва два­дца­ти», соз­дан­но­го в 1884) и др. в Бель­гии; ли­бер­ти («стиль Ли­бер­ти»), «цве­точ­ный стиль» (stile flo­reale), или «но­вый стиль» (stile nuovo) в Ита­лии; «мо­дер­ни­ста» (modernista), «мо­дер­нис­мо» (modernismo, ка­та­лон­ский М.) или «мо­ло­дое иск-во» (arte joven) в Ис­па­нии; «но­вое ис­кус­ст­во» (nieuwe kunst) в Ни­дер­лан­дах; «стиль Тиф­фа­ни» (см. Тиф­фа­ни Л.

) в США; в Рос­сии за­кре­пи­лось назв. «мо­дерн».

М. воз­ник как один из ви­дов нео­ро­ман­тич. про­тес­та про­тив гос­под­ства по­зи­ти­виз­ма и праг­ма­тиз­ма. Эс­те­ти­ка М. раз­ви­ва­ла идеи сим­во­лиз­ма и эс­те­тиз­ма, фи­ло­со­фии жиз­ни (Ф. Ниц­ше). М., по мыс­ли ря­да его тео­ре­ти­ков (Х. К. ван де Вел­де, опи­рав­ший­ся на со­циа­ли­стич. уто­пии У. Мор­ри­са), дол­жен был соз­дать во­круг че­ло­ве­ка цель­ную, эс­те­ти­че­ски на­сы­щен­ную про­стран­ст­вен­ную и пред­мет­ную сре­ду, вы­ра­зить ду­хов­ное со­дер­жа­ние эпо­хи с по­мо­щью син­те­за ис­кусств, но­вых, не­тра­диц. форм и приё­мов, а так­же совр. ма­те­риа­лов и кон­ст­рук­ций. Са­мым яр­ким про­яв­ле­ни­ем «пред­мо­дер­на» в Ве­ли­ко­бри­та­нии (и в Ев­ро­пе в це­лом) при­ня­то счи­тать оформ­ле­ние анг­ло-амер. худ. Дж. Уи­ст­ле­ром «Пав­линь­ей ком­на­ты» (1877; ны­не – в га­ле­рее Фрир в Ва­шинг­то­не): оно вклю­ча­ет мн. при­зна­ки бу­ду­ще­го сти­ля М. – ис­поль­зо­ва­ние пло­ско­ст­ных жи­во­пис­ных пан­но на сте­нах, пре­рван­ных рез­ны­ми де­рев.

па­не­ля­ми при­хот­ли­во­го ри­сун­ка, гну­тых ли­ний кон­ту­ров, со­че­та­ние гра­фич. на­ча­ла с де­ко­ра­тив­но­стью.

Наи­бо­лее по­сле­до­ва­тель­но прин­ци­пы М. осу­ще­ст­вились в сфе­ре соз­да­ния бо­га­тых ин­ди­ви­ду­аль­ных жи­лищ. Так, мас­те­ра кру­га У. Мор­ри­са об­но­ви­ли тип ин­ди­ви­ду­аль­но­го жи­ло­го до­ма (ар­хи­тек­то­ры Ч. Вой­зи, У. Р. Ле­та­би, Ч. Р. Эш­би, М. Х. Б. Скотт и др.), ори­ен­ти­ро­ван­но­го на тра­ди­ции нар. зод­че­ст­ва Анг­лии. Но в ду­хе М., стре­мив­ше­го­ся стать уни­вер­саль­ным сти­лем сво­его вре­ме­ни, строи­лись и мно­го­числ. де­ло­вые, пром. и тор­го­вые зда­ния, во­кза­лы, те­ат­ры, мос­ты, до­ход­ные до­ма, рес­то­ра­ны и т. д. М. пы­тал­ся пре­одо­леть ха­рак­тер­ное для куль­ту­ры 19 в. про­ти­во­ре­чие ме­ж­ду ху­до­же­ст­вен­ным и ути­ли­тар­ным на­ча­лом, при­дать эс­те­тич. смысл но­вым функ­ци­ям и кон­ст­рук­тив­ным сис­те­мам, при­об­щить к иск-ву все сфе­ры жиз­ни и сде­лать че­ло­ве­ка час­ти­цей ху­дож. це­ло­го.

М. про­ти­во­пос­та­вил эк­лек­тиз­му 19 в. един­ст­во, ор­га­нич­ность и сво­бо­ду раз­ви­тия сти­ли­зо­ван­ной, обоб­щён­ной, рит­ми­че­ски ор­га­ни­зо­ван­ной фор­мы, на­зна­че­ние ко­то­рой – оду­хо­тво­рить ма­те­ри­аль­но-вещ­ную сре­ду, вы­ра­зить тре­вож­ный, на­пря­жён­ный дух пе­ре­лом­ной эпо­хи. Пе­ри­од ста­нов­ле­ния М. – ру­беж 19–20 вв. – от­ме­чен нац.-ро­ман­тич. ув­ле­че­ния­ми, ин­те­ре­сом к ср.-век. и нар. ис­кус­ст­ву. Для это­го эта­па ха­рак­тер­но воз­ник­но­ве­ние ху­дож.-ре­мес­лен­ных объ­е­ди­не­ний, час­то про­ти­во­пос­тав­ляв­ших се­бя ин­ду­ст­ри­аль­но­му про­из-ву: «Ис­кус­ст­ва и ре­мёс­ла» в Ве­ли­ко­бри­та­нии, «Объ­еди­нён­ные ху­дож.-ре­мес­лен­ные мас­тер­ские» (1897) и «Не­мец­кие мас­тер­ские ху­дож. ре­мё­сел» (1899) в Гер­ма­нии, «Вен­ские мас­тер­ские» (1903) в Ав­ст­рии, и др.

Ж. Шере. Афиша «Palais de Glace» на Елисейских Полях в Париже. 1896.

Для М. ха­рак­тер­ны чер­ты ин­тер­на­цио­наль­но­го сти­ля, ос­но­ван­но­го на при­ме­не­нии прин­ци­пи­аль­но но­вых ху­дож. форм, взаи­мо­про­ник­но­ве­ние стан­ко­вых и де­ко­ра­тив­но-при­клад­ных форм иск-ва, а так­же от­сут­ст­вие эво­лю­ции. Ор­на­мент М., во всех ви­дах иск-ва струк­тур­но орга­ни­зую­щий плос­кость, и свое­об­раз­ный ритм его гиб­ких ли­ний пре­ж­де все­го сло­жи­лись в гра­фи­ке, что спо­соб­ст­во­ва­ло бы­ст­ро­му рас­про­стра­не­нию М. в 1890-х гг. Зна­чит. роль сыг­ра­ла пре­ж­де все­го пе­чат­ная гра­фи­ка (наи­бо­лее де­мо­кра­ти­че­ская): те­ат­раль­ные афи­ши и про­грам­мы (Ж. Ше­ре, Э. Грас­се, чеш. худ. А. Му­ха, А. де Ту­луз-Лот­рек во Фран­ции; Х. К. ван де Вел­де в Бель­гии; У. Брэд­ли в США, и др.), рек­лам­ные пла­ка­ты (Я. То­роп в Ни­дер­лан­дах, Му­ха и др.), ка­лен­да­ри, книж­ные и журналь­ные ил­лю­ст­ра­ции [ху­дож­ни­ки бер­лин­ских жур­на­лов «Pan» и «Die Insel» (Г. Фо­ге­лер и др.), мюн­хен­ских жур­на­лов «Jugend» и «Simplicissimus» (О. Эк­ман, Ю.

 Диц, Т. Т. Хей­не, О. Гульб­ран­сон, Б. Па­уль), па­риж­ско­го ж. «La Revue Blanche» (пре­им. мас­те­ра груп­пы «На­би»), лон­дон­ских жур­на­лов «Hob­by Horse» (А. Мак­мер­до, С. Имейдж), «The Savoy», «The Yellow Book» и «The Studio» (О. Бёр­дс­ли и др.), вен­ско­го ж. «Ver Sacrum»]; стан­ко­вые гра­фич. про­из­ве­де­ния Т. Стейн­ле­на, Ф. Брэн­гви­на и др.

Фасад фотоателье «Эльвира» на Фон-дер-Танн-штрасе в Мюнхене. 1897–98. Архитектор и дизайнер А. Эндель. Скульптурный рельеф уничтожен в 1937, здание разрушено в 1944.

Р. Ф. Ларш. Настольная лампа «Лой Фуллер». Бронза, позолота. Ок. 1900. Баварский национальный музей (Мюнхен).

В про­ти­во­по­лож­ность эк­лек­тиз­му с его ин­те­ре­сом к дос­то­вер­но­сти вос­про­из­ве­де­ния отд. де­та­лей ис­то­рич. и нац. сти­лей, М. стре­мил­ся воз­ро­дить дух сти­ле­во­го един­ст­ва всех со­став­ляю­щих ху­дож. ор­га­низ­ма, общ­ность и взаи­мо­влия­ние всех ви­дов ис­кус­ст­ва. Это пре­до­пре­де­ли­ло по­яв­ле­ние но­во­го ти­па ху­дож­ни­ка – уни­вер­са­ла, со­еди­нив­ше­го в од­ном ли­це ар­хи­тек­то­ра, гра­фи­ка, жи­во­пис­ца, про­ек­ти­ров­щи­ка бы­то­вых ве­щей (ди­зай­не­ра) и час­то тео­ре­ти­ка. Идея син­те­ти­че­ско­го, цель­но­го про­из­ве­де­ния иск-ва (Gesamt­kunst­werk) яр­че все­го во­пло­ще­на в ар­хи­тек­ту­ре ин­терь­е­ров, луч­шие об­раз­цы ко­то­рых от­ли­ча­ют­ся рит­ми­че­ской со­гла­со­ван­но­стью ли­ний и то­нов, един­ст­вом де­та­лей де­ко­ра и об­ста­нов­ки (обои, ме­бель, леп­ни­на, па­не­ли, ар­ма­ту­ра све­тиль­ни­ков), це­ло­ст­но­стью од­но­род­но­го пе­ре­те­каю­ще­го про­стран­ст­ва, ус­лож­нён­но­го и рас­ши­рен­но­го зер­ка­ла­ми, мно­го­числ. двер­ны­ми и окон­ны­ми про­ёма­ми, жи­во­пис­ны­ми пан­но или вит­ра­жа­ми. В 1895 Х. К. ван де Вел­де соз­дал про­ект от­дел­ки па­риж­ской га­ле­реи С. Бин­га «Ар ну­во», назв. ко­то­рой (уже ис­поль­зо­ван­ное в бельг. ж. «L’Art Moderne» в 1880-е гг.) ста­ло од­ним из на­име­но­ва­ний но­во­го сти­ля; для его твор­че­ст­ва ха­рак­тер­ны осо­зна­ние пер­во­сте­пен­ной зна­чи­мо­сти ар­хи­тек­ту­ры, под­чи­няю­щей се­бе др. ис­кус­ст­ва, и ори­ен­та­ция на на­сле­дие ср.-век. и нар. иск-ва. Влия­ни­ем идей Э. Ви­ол­ле-ле-Дю­ка, апо­ло­ге­та го­ти­ки, от­ме­че­но твор­че­ст­во ря­да круп­ней­ших мас­те­ров М. в раз­ных стра­нах – В. Ортa, ван де Вел­де, Э. Ги­ма­ра, А. Гау­ди, Х. П. Бер­ла­ге.

Кайзер-павильон на станции Хитцинг Венской железной дороги. 1894–1901. Архитектор О. Вагнер. Фото В. М. Паппе

Центральный вокзал в Хельсинки. 1904–14. Архитектор Элиель Сааринен.

Ар­хи­тек­ту­ра М. в по­ис­ках един­ст­ва кон­ст­рук­тив­но­го и ху­до­же­ст­вен­но­го на­чал вво­ди­ла сво­бод­ную, функ­цио­наль­но обос­но­ван­ную пла­ни­ров­ку, при­ме­ня­ла кар­кас­ные кон­ст­рук­ции, раз­но­об­раз­ные, в т.  ч. но­вые, стро­ит. и от­де­лоч­ные ма­те­риа­лы (же­ле­зо­бе­тон, стек­ло, ко­ва­ный ме­талл, не­об­ра­бо­тан­ный ка­мень, из­раз­цы, фа­не­ра, холст). Сво­бод­но раз­ме­щая в про­стран­ст­ве зда­ния с раз­лич­но оформ­лен­ны­ми фа­са­да­ми, ар­хи­тек­то­ры М. вос­ста­ва­ли про­тив сим­мет­рии и ре­гу­ляр­ных норм гра­до­строи­тель­ст­ва. Бо­га­тей­шие воз­мож­но­сти фор­мо­об­ра­зо­ва­ния, пре­до­став­лен­ные но­вой тех­ни­кой, они ис­поль­зо­ва­ли для соз­да­ния под­чёрк­ну­то ин­диви­дуа­ли­зи­ро­ван­но­го об­раз­но­го строя; зда­ние и его кон­ст­рук­тив­ные эле­мен­ты по­лу­ча­ли де­ко­ра­тив­ное и сим­во­ли­че­ски-об­раз­ное ос­мыс­ле­ние. На­ря­ду со стрем­ле­ни­ем к не­обыч­ным жи­во­пис­ным эф­фек­там, ди­на­ми­кой и те­ку­чей пла­стич­но­стью масс, упо­доб­ле­ни­ем ар­хит. форм ор­га­нич. при­род­ным яв­ле­ни­ям (ра­бо­ты А. Гау­ди, В. Ор­та, Э. Ги­ма­ра; А. Эн­деля, Б. Пан­ко­ка, Р. Рим­мер­шмид­та, Б. Па­у­ля в Гер­ма­нии; Дж. Сом­ма­ру­ги, К. Бу­гат­ти, А. Кам­па­ни­ни в Ита­лии, и др. ), не­при­яти­ем гео­мет­риз­ма («пря­мая ли­ния мерт­ва», по вы­ра­же­нию Х. К. ван де Вел­де), су­ще­ст­во­ва­ла и тен­ден­ция «ра­цио­наль­но­го» М. Тя­го­те­ние к гео­мет­рич. пра­виль­но­сти боль­ших, спо­кой­ных плос­ко­стей, к стро­го­сти, по­рой да­же пу­риз­му (ряд по­стро­ек Ч. Р. Ма­кин­то­ша и др.), по­лу­чи­ло тео­ре­тич. обос­но­ва­ние в кн. «Со­вре­мен­ная ар­хи­тек­ту­ра» (1895) О. Ваг­не­ра. Идеи Ваг­не­ра по­лу­чи­ли свое­об­раз­ное раз­ви­тие в твор­че­ст­ве его уче­ни­ков – Й. Хоф­ма­на и Й. Ольб­ри­ха в Ав­ст­рии, М. Фа­биа­ни в Ав­ст­рии и Сло­ве­нии, Я. Ко­те­ры в Че­хии, Й. Плеч­ни­ка в Сло­ве­нии, а так­же О. Пер­ре и Г. Пер­ре во Фран­ции, Г. Му­те­зиу­са, А. Мес­се­ля, Г. Тес­се­но­ва и П. Бе­рен­са в Гер­ма­нии и др. Не­ко­то­рые ар­хи­тек­то­ры нач. 20 в. пред­вос­хи­ща­ли во мно­гом функ­цио­на­лизм, стре­ми­лись вы­явить кар­кас­ную струк­ту­ру зда­ния, под­черк­нуть тек­то­ни­ку масс и объ­ё­мов (ряд со­ору­же­ний Ваг­не­ра, Бе­рен­са и др.). Важ­ное ме­сто в М. за­ни­ма­ло сти­ле­вое на­прав­ле­ние, раз­ви­вав­шее­ся в рус­ле нац. ро­ман­тиз­ма; сре­ди его об­раз­цов – ар­хи­тек­ту­ра т. н. се­вер­но­го М. (Эли­ель Саа­ри­нен, Г. Ге­зел­ли­ус, А. Э. Лин­дг­рен, Л. Сонк в Фин­лян­дии; К. Вест­ман, Р. Эст­берг в Шве­ции; М. Ню­роп в Да­нии; Э. Э. Лех­нер в Венг­рии).

Осн. вы­ра­зит. сред­ст­вом в сти­ле М. яв­ля­ет­ся ор­на­мент, ко­то­рый не толь­ко ук­ра­ша­ет про­из­ве­де­ние, но и фор­ми­ру­ет его ком­по­зиц. струк­ту­ру. В ин­терь­е­рах бельг. ар­хи­тек­то­ров изящ­ные ли­ней­ные пле­те­ния, под­виж­ные рас­тит. узо­ры по­кры­ва­ют сте­ны, по­лы и по­тол­ки, кон­цен­три­ру­ют­ся в мес­тах их со­пря­же­ния, объ­е­ди­няя ар­хит. плос­ко­сти и ак­ти­ви­зи­руя про­стран­ст­во. В бес­ко­неч­но те­ку­щих, чув­ст­вен­но-соч­ных ли­ни­ях де­ко­ра со­крыт сим­во­лич. смысл, в них со­че­тает­ся изо­бра­зи­тель­ное с от­вле­чён­ным, оду­хо­тво­рён­ное с вещ­ным. У мас­те­ров вен­ско­го М. (Й. Хоф­ма­на, Й. Ольб­ри­ха), в ра­бо­тах шотл. груп­пы «Чет­ве­ро» во гла­ве с Ч. Р. Ма­кин­то­шем стро­го гео­мет­рич­ный ор­на­мент варь­и­ру­ет мо­ти­вы кру­га и квад­ра­та. Не­смот­ря на про­воз­гла­шён­ный от­каз от под­ра­жа­ния ис­то­ри­че­ским сти­лям, мас­те­ра М. ис­поль­зо­ва­ли ли­ней­ный строй япон. гра­вю­ры, сти­ли­зо­ван­ную ор­на­мен­ти­ку мав­ри­тан­ско­го иск-ва (пре­им. зод­чие Ка­та­ло­нии – А. Гау­ди, Л. До­ме­нек-и-Мон­та­нер и Дж. Пуч-и-Ка­да­фальк), рас­тит. узо­ры эгей­ско­го иск-ва и го­ти­ки, эле­мен­ты де­ко­ра­тив­ных ком­по­зи­ций ба­рок­ко, ро­ко­ко, ам­пи­ра.

Раз­ви­тие М. в жи­во­пи­си, скульп­ту­ре и сце­но­гра­фии во мно­гом пре­до­пре­де­ли­ли ус­та­нов­ки лит. сим­во­лиз­ма, тя­го­тев­ше­го к ми­фо­твор­че­ст­ву и по­вли­яв­ше­го на ико­но­гра­фию М. Сре­ди круп­ней­ших жи­во­пис­цев и скульп­то­ров кон. 19 – нач. 20 вв. нет ни од­но­го, твор­че­ст­во ко­то­ро­го пол­но­стью вме­ща­лось бы в рам­ки эс­те­тич. и ти­по­вых осо­бен­но­стей М. Кар­ти­ны и пан­но М. рас­смат­ри­ва­лись как эле­мен­ты ин­терь­е­ра, его про­стран­ст­вен­ной и эмо­цио­наль­ной ор­га­ни­за­ции. По­это­му де­ко­ра­тив­ность ста­ла од­ним из гл. ка­честв жи­во­пи­си М. Ха­рак­тер­но час­то встре­чаю­щее­ся в ней па­ра­док­саль­ное со­че­та­ние де­ко­ра­тив­ной ус­лов­но­сти, ор­на­мен­таль­ных «ков­ро­вых» фо­нов и вы­ле­п­лен­ных со скульп­тур­ной чёт­ко­стью и ося­зае­мо­стью фи­гур и лиц пер­во­го пла­на (Г. Климт в Ав­ст­рии, Ф. Кнопф в Бель­гии и др.). Вы­ра­зи­тель­ность жи­во­пи­си дос­ти­га­лась со­че­та­ни­ем боль­ших цве­то­вых плос­ко­стей (ху­дож­ни­ки груп­пы «На­би» во Фран­ции, Э. Мунк в Нор­ве­гии), тон­ко ню­ан­си­ро­ван­ной мо­но­хро­ми­ей. По­эти­ка сим­во­лиз­ма обу­сло­ви­ла ин­те­рес к сим­во­ли­ке ли­нии и цве­та, к те­мам ми­ро­вой скор­би, смер­ти, эро­ти­ки, к ми­ру тай­ны, сна, ле­ген­ды, сказ­ки. В раз­ной сте­пе­ни с М. со­при­ка­са­ет­ся твор­че­ст­во мн. дру­гих жи­во­пис­цев сим­во­ли­ст­ско­го на­прав­ле­ния: позд­ний А. Бёк­лин, Ф. Ход­лер и Ф. Вал­лот­тон (Швей­ца­рия), М. Клин­гер, Ф. фон Штук (Гер­ма­ния), П. Го­ген, А. де Ту­луз-Лот­рек, О. Ре­дон и ху­дож­ни­ки груп­пы «На­би» (Фран­ция), Г. Ки­ни (Ита­лия), Я. То­роп (Ни­дер­лан­ды), А. Гал­лен-Кал­ле­ла (Фин­лян­дия), Я. Прейс­лер, С. Вы­спянь­ский, В. Войт­ке­вич, Э. Окунь (Поль­ша), Й. Риппль-Ро­наи и А. Кё­рёш­фой-Криш (Венг­рия) и др.; не­ко­то­рые из них за­ни­ма­лись мо­ну­мен­таль­ной жи­во­пи­сью в со­дру­же­ст­ве с зод­чи­ми М. В об­лас­ти скульп­ту­ры не­со­мнен­ное влия­ние М. ис­пы­та­ли О. Ро­ден, П. Рош, А. Май­оль (Фран­ция), М. Клин­гер, В. Лем­брук, Г. Коль­бе, Г. Об­рист (Гер­ма­ния), Ж. Мин­не (Бель­гия), М. Рос­со (Ита­лия). В иск-ве вит­ра­жа ра­бо­та­ли Э. Грас­се (Фран­ция), А. Му­ха (Че­хия) и др.

Ди­на­ми­ка и те­ку­честь фор­мы и си­луэта ха­рак­тер­ны как для скульп­ту­ры, так и для про­из­ве­де­ний де­ко­ра­тив­но-при­клад­но­го иск-ва М., упо­доб­ляю­щих­ся фе­но­ме­нам при­ро­ды с их ор­га­нич. внутр. си­ла­ми: ке­ра­мич. и же­лез­ные из­де­лия А. Гау­ди; ме­тал­лич. ог­ра­ды мет­ро Э. Ги­ма­ра, стек­лян­ные из­де­лия Э. Гал­ле и Л. Тиф­фа­ни, бы­то­вые пред­ме­ты франц. мас­те­ров Р. Ф. Лар­ша, А. Шар­пантье, Э. Грас­се; юве­лир­ные ук­ра­ше­ния и др. из­де­лия Р. Ла­ли­ка и фир­мы Кар­тье; ди­зайн ме­бе­ли Гал­ле, Ги­ма­ра, Л. Ма­жо­ре­ля, Ж. Хёнт­ше­ля во Фран­ции, так­же Х. К. ван де Вел­де, А. Гау­ди, Ч. Вой­зи, Ч. Р. Ма­кин­то­ша, П. Бе­рен­са, Й. Хоф­ма­на, Ф. Брэн­гви­на и др.

Свое­об­раз­ной ре­ак­ци­ей на де­ко­ра­ти­визм М. ста­ло твор­че­ст­во та­ких зна­чит. мас­те­ров эпо­хи (ис­пы­тав­ших в на­ча­ле творч. пу­ти влия­ние Л. Г. Сал­ли­ве­на), как А. Лоз (Ав­ст­рия) и один из ос­но­во­по­лож­ни­ков ор­га­ни­че­ской ар­хи­тек­ту­ры Ф. Л. Райт (США). В 1907 в Мюн­хе­не был ос­но­ван «Не­мец­кий Вер­кбунд» – объ­е­ди­не­ние ар­хи­тек­то­ров, ху­дож­ни­ков де­ко­ра­тив­но­го иск-ва и про­мыш­лен­ни­ков; оно как бы ут­вер­жда­ло пре­ем­ст­вен­ность по от­но­ше­нию к «ра­цио­наль­но­му» М. зод­че­ст­ва и иск-ва Но­вей­ше­го вре­ме­ни: в дея­тель­но­сти это­го объ­е­ди­не­ния, по­ми­мо мас­те­ров М. (Х. К. ван де Вел­де, Г. Му­те­зи­ус, Р. Рим­мер­шмидт, П. Бе­ренс, Й. Хоф­ман и др.), уча­ст­во­ва­ли В. Гро­пи­ус, Ле Кор­бю­зье, Л. Мис ван дер Роэ. В фу­ту­ри­стич. про­ек­тах А. Сант-Элиа и со­ору­же­ни­ях ар­хит. экс­прес­сио­низ­ма 1-й пол. 20 в. мож­но ви­деть влия­ние ор­га­нич­но­сти форм М. Но по сво­ей су­ти М. яв­ля­ет­ся за­вер­шаю­щей ста­ди­ей «ис­то­ри­че­ско­го» раз­ви­тия ар­хи­тек­ту­ры, ос­ваи­вав­шей опыт зод­че­ст­ва про­шло­го (в от­ли­чие от при­шед­шей ему на сме­ну «вне­ис­то­ри­че­ской» ар­хи­тек­ту­ры мо­дер­низ­ма), и его на­сле­дие от­ра­же­но в «тра­ди­ци­он­ной» ли­нии ар­хи­тек­ту­ры 20 в. – не­оклас­си­циз­ме, ар де­ко, по­стмо­дер­низ­ме и др.

Вестибюль Витебского вокзала в С.-Петербурге. 1904. Архитектор С. А. Брожовский. Фото Д. В. Соловьёва

В Рос­сии кар­ти­на раз­ви­тия М. от­ли­ча­ет­ся мно­го­ли­ко­стью. Здесь так­же по­лу­чи­ли ши­ро­кое рас­про­стра­не­ние нац.-ро­ман­тич. ва­ри­ан­ты М., его ин­тер­на­цио­наль­ные «со­вре­мен­ные» раз­но­вид­но­сти в вер­си­ях, род­ст­вен­ных фран­ко-бельг., шот­ланд­ско-австр. и скан­ди­нав­ско­му М., а так­же са­мо­быт­ный ва­ри­ант «ра­цио­наль­но­го» М., пол­но­стью сво­бод­ный от ис­то­рич. ал­лю­зий ли­бо от­ме­чен­ный ис­поль­зо­ва­ни­ем эле­мен­тов клас­си­циз­ма. Пред­ше­ст­вен­ни­ком это­го на­прав­ле­ния стал кир­пич­ный стиль, при­ме­няв­ший­ся ча­ще все­го в ути­ли­тар­ном строи­тель­ст­ве (фаб­рич­но-за­во­дские со­ору­же­ния, зем­ские боль­ни­цы и т. п.). «Ра­цио­наль­ный» ва­ри­ант М. смы­ка­ет­ся с од­но­вре­мен­но раз­ви­вав­шим­ся не­оклас­си­циз­мом, пред­став­лен­ным в Рос­сии в си­лу ря­да при­чин мно­го пол­нее, чем в др. ев­роп. стра­нах. Ещё од­на осо­бен­ность, от­ли­чаю­щая Рос­сию, со­стоя­ла в том, что сти­ле­вые по­ис­ки бы­ли со­сре­до­то­че­ны в пер­вую оче­редь в двух сто­ли­цах – Мо­ск­ве и С.-Пе­тер­бур­ге.

М. А. Врубель. Панно «Венеция». 1893. Русский музей (С.-Петербург).

Лестница холла в особняке С. П. Рябушинского на Малой Никитской улице в Москве. 1900–03. Архитектор Ф. О. Шехтель. Фото Д. В. Соловьёва

За­ро­ж­де­ние рус. М. свя­за­но с дея­тель­но­стью мас­те­ров Аб­рам­цев­ско­го ху­до­же­ст­вен­но­го круж­ка (В. М. Вас­не­цов, А. М. Вас­не­цов, В. А. Се­ров, В. Д. По­ле­нов, Е. Д. По­ле­но­ва, К. А. Ко­ро­вин и др.; так­же наи­бо­лее уни­вер­саль­ный из мас­те­ров это­го кру­га – М. А. Вру­бель), мас­тер­ских Та­лаш­ки­но (Н. К. Ре­рих, С. В. Ма­лю­тин и др.), позд­нее – ху­дож. объ­е­ди­не­ния «Мир ис­кус­ст­ва». Мас­те­ра «Ми­ра ис­кус­ст­ва», по­ми­мо од­но­им. жур­на­ла, ор­га­ни­зо­ва­ли две вы­став­ки в С.-Пе­тер­бур­ге и Мо­ск­ве: «Со­вре­мен­ное иск-во» и «Вы­став­ка ар­хи­тек­ту­ры и ху­дож. пром-сти но­во­го сти­ля» (обе 1902–1903). На­цио­наль­но-ро­ман­тич. вер­сия М. в зод­че­ст­ве, при­клад­ном иск-ве и жи­во­пи­си (мо­ну­мен­таль­ной и стан­ко­вой) из­вест­на под назв. не­орус­ско­го сти­ля. «Ра­цио­наль­ный» М. и «клас­си­че­ские» тра­ди­ции про­яви­лись в де­ло­вых и кон­тор­ских со­ору­же­ни­ях, зда­ни­ях бан­ков, до­ход­ных до­мов в обе­их сто­ли­цах. По­стро­ен­ный по про­ек­ту Ф. О. Шех­те­ля Яро­слав­ский во­кзал в Мо­ск­ве (1902–1904) – одно из яр­ких гражд. со­ору­же­ний не­о­рус­ско­го сти­ля, в то вре­мя как его ин­терь­е­ры, ли­шён­ные ис­то­рич. ре­ми­нис­цен­ций, от­ли­ча­ют­ся по­сле­до­ва­тель­но ра­цио­наль­ной трак­тов­кой форм. Спро­ек­ти­ро­ван­ные им до­ход­ные до­ма с рав­ным ос­но­ва­ни­ем мож­но от­не­сти к «ра­цио­наль­но­му» М. и не­оклас­си­циз­му, так­же и к «сред­не­ве­ко­во­му», ро­ман­тич. на­прав­ле­нию. Сре­ди др. ар­хи­тек­то­ров М. – ра­бо­тав­шие в Мо­ск­ве Л. Н. Ке­ку­шев, И. С. Куз­не­цов, И. А. Ива­нов-Шиц, Г. И. Ма­ка­ев, И. А. Фо­мин, англ. арх. В. Ф. Валь­кот; пе­терб. мас­те­ра Ф. И. Лид­валь, Н. В. Ва­силь­ев, А. Ф. Бу­бырь, М. С. Ля­ле­вич, Р. Ф. Мель­цер. Свое­об­раз­ным яв­ле­ни­ем рус. ар­хи­тек­ту­ры сле­ду­ет счи­тать по­яв­ле­ние ар­хи­тек­то­ров, за­ня­тых пре­им. про­ек­ти­ро­ва­ни­ем цер­ков­ных зда­ний: И. Е. Бон­да­рен­ко, В. А. По­кров­ский, А. В. Щу­сев (ав­тор про­ек­та Мар­фо-Ма­ри­ин­ской оби­те­ли) и др.

Сре­ди мас­те­ров рос. изо­бра­зит. иск-ва и сце­но­гра­фии, сбли­жав­ших­ся с М., – М. А. Вру­бель, ху­дож­ни­ки-«ми­ри­скус­ни­ки», В. Э. Бо­ри­сов-Му­са­тов, скульп­то­ры П. П. Тру­бец­кой, А. С. Го­луб­ки­на, мо­дель­ер Н. П. Ла­ма­но­ва.

Что такое Либерти — Look At Me

Вне зависимости от модных трендов, мы очень любим цветочные узоры. «Либерти» уже стало именем нарицательным для обозначения мелкого цветочного рисунка. Однако же, не всякий рисунок — настоящее Liberty. И чтобы прояснить различия, мы решили сделать небольшой экскурс в историю Liberty of London.

В 1875 году на лондонской улице Риджент-стрит открылcя небольшой магазин Liberty & Co. Этот магазин стал сбывшейся мечтой влюбленного в узоры англичанина по имени Артур Лэзенби Либерти.

Артур родился в 1843 году в семье портного в графстве Бакингемпшир. У него было семеро братьев и сестер. Несмотря на природный ум, Артуру не удалось получить университетскую стипендию и в возрасте 16 лет он начал работать в отцовской кружевной мастерской. В 1859 году его взяли в помощники портного — и единственным плюсом в этой перемене был сопутствующий переезд в Лондон.

Как и сейчас, в Лондоне того времени одной из самых модных улиц была Риджент-стрит. Никаких пабов, бакалейных лавок, мясников, булочников, жестянщиков или свечников туда не допускали. Только ювелиры и самые модные магазины для настоящих леди. А самый-самый из модных — Farmer & Rogers. Каким образом Либерти удалось убедить хозяев этого магазина взять его на работу — неизвестно, но факт, что он туда попал и остался больше чем на 10 лет.

То самое кимоно

В том же 1862 году, когда Артур Либерти поступил на службу в модный универмаг, в Лондоне проходила Международная Выставка. В Японском павильоне Артур совершенно потерял голову от восторга. И убедил свое руководство выкупить весь текстиль и предметы интерьера, привезенные японцами на выставку. В Farmer & Rogers появился восточный базар под названием Oriental Warehouse, а Либерти стал его менеджером. Вся лондонская богема и элита сошла с ума от кимоно. Актеры и актрисы, художники Уистлер и Россетти — все стали клиентами Либерти.

Кимоно периода «мэйджи» (1868-1912) из коллекции Музея Виктории и Альберта.

 

Либерти становится Liberty

Проработав 10 лет в Farmer & Rogers, Артур Либерти предложил владельцам магазина сделать его партнером. Они отказались. Что ж, пора начинать свое, поумал Артур — и так и сделал. Заняв денег у друзей — тысячу фунтов ему дал отец его будущей жены Эммы Луизы Блэкмор — Артур открыл East India House ровно напротив своего бывшего места работы. Вскоре магазин сменил название, но не ассортимент. Артур продавал там то, что обожал и хорошо знал — восточные товары. И даже девушки-продавщицы в его магазине ходили в кимоно. Уже через полтора года Артур полностью расстался с долгами и даже расширил магазин. Кстати, Farmer & Rogers вскоре закрылись.

Вечернее платье, 1920-1925, пальто, 1928, оба — Liberty of London.

От продаж к мануфактуре

Хотя японские товары по-прежнему были в моде, ухудшающееся качество заставило Либерти искать других поставщиков. Индийские принты были не менее прекрасны, но краски на них известны своей нестойкостью. Тогда он задумался о собственном производстве — и начал импортировать чистые полотна и отдельно красители, чтобы под собственным контролем выпускать ткани с рисунками, отменного качества. И снова все получилось.

Ткани из коллекции Liberty of London.

Отдельное спасибо Оскару Уайльду

Как известно, на протяжении всей истории моды в 20 веке серьезным движущим фактором часто становились деньги американских покупателей. Именно они позволили французскому Haute Couture набрать силу. И именно они активно поддержали стиль Liberty. А трансатлантическим проводником Liberty стал, как это ни удивительно, Оскар Уайльд: во время своего 18-месячного лекционного турне по США одним из любимых сюжетов у него был «House Decoration», где немалое место уделялось и стилю Liberty.

Оскар Уайльд в Нью-Йорке, 1882.

Арт-принты Liberty

Почти с самого начала, в конце 1870-х, Либерти начал приглашать лучших художников и дизайнеров своего времени для создания орнаментов для тканей. Поскольку компания заботилась об укреплении собственного брендинга, эти имена не назывались, но среди приглашенных художников были такие звезды прерафаэлитского движения, как Уильям Морриc, а также представители течения Arts & Crafts. Артур Либерти вошел в историю искусства: он столько сделал для развития новаторского течения Art Nouveau, характерного своими флоральными мотивами, что в Италии, к примеру, этот стиль даже называют «стиль либерти».

В гостях у Liberty

Времена менялись, а с ними и Liberty. В 1913 году Артур был посвящен в рыцари за свой вклад в развитие декоративного искусства Англии. В это же время было начато строительство знаменитого здания Liberty в тюдоровском стиле. К сожалению, оно было закончено уже после того, как сэр Артур умер в 1917 году. По его задумке, в здании было три лестничных колодца, позволявших делать красивые инсталляции из тканей и наполнявшие конструкцию воздухом и светом. При этом вокруг них на трех этажах много небольших, уютных залов, чтобы от прогулки по ним у человека создавалось ощущение, что он пришел к кому-то в гости.

Модное прошлое и настоящее

После ухода сэра Артура магазин остался одним из самых престижных и модных в английской столице. Помимо фирменных тканей в нем продаются одежда и предметы интерьеров дизайнерских брендов. А сами дизайнерские бренды нередко становятся клиентами Liberty of London, заказывая для своих коллекций ткани с удивительными цветочными рисунками. Традицию начал Поль Пуаре, основавший свой знаменитый Дом моды в 1903 году именно с тканями Liberty of London.

Платок из тонкой шерсти с изображением Артура Либерти и его супруги, из ассортимента Liberty of London.

В 1975 году Liberty отметило столетний юбилей, по случаю чего в Музее Виктории и Альберта прошла грандиозная выставка.

Подушка с английским флагом из Union Jack Collection, выпущенной в прошлом году по случаю предстоящего чемпионата мира по футболу.

А сегодня такие бренды, как Target, Fred Perry, Nike, Acne, Nicholas Kirkwood считают за честь выпуск совместных линеек с Liberty of London.

Реклама и несколько вещей из коллекции Liberty of London for Target. Из коллекции Liberty of London for Target. Из коллекции Liberty of London for Target. Из коллекции Liberty of London for Target. Nike + Liberty of LondonИз коллекции Liberty of London for Target.

Стать обладателем настоящего Liberty вполне возможно. И в магазине, и на сайте Liberty of London можно приобрести не только разнообразные блокноты, скатерти и подносы в фирменный цветочек, но и заказать просто ткань. 

Ткани на сайте Liberty of London.Ткани на сайте Liberty of London.Вещи из коллекции Liberty of London.

 

Когда мы в click-boutique впервые увидели коллекцию французской марки Sessùn, дикий восторг вызвали в первую очередь именно принты Liberty, которые дизайнеры Sessùn активно используют. И как только у нас появилась такая возможность, мы сразу же заказали вещи с этими принтами. Ниже — некоторые из них.

Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.Sessùn весна-лето 2011.

Ар нуво / Стили / Блог / Ювелирный Бренд «Роскошь» — Современные ювелирные украшения

Происхождение:

1. Европа 1880 – 1910 гг.

Основные черты:

1. Использование плавных форм, асимметричность. Изогнутые линии в духе «Удара бича» Германа Обриста. Криволинейный дизайн — растительные мотивы, синусоиды, негеометрические изгибы; прямолинейный дизайн – геометрические формы, строгие силуэты.

2. Натуральные коричнево-зеленые цвета (древесина, листва, лен) и сложные припыленные оттенки.  В ювелирных украшениях широкое использование не дорогих материалов: полудрагоценных камней, эмалей.

3. Базовые геометрические фигуры: растянутая спираль или синусоида-для южноевропейского модерна. Прямоугольник для северной Европы.

4. Копирование природы и окружающего мира. Максимальная детализация от фона до центра.

5. Динамичная стилизация, движение через вытянутые пропорции объекта. Четкие края и контуры, скругленные углы.

6. Орнаментальность. Орнаменты присутствуют повсюду: в отделке, мебели, текстиле, декоре, и в предметах искусства.

7. Стиль определяют великие художники-ремесленники. Декоративное искусство достигает совершенства на уровне личности творца

8. Выбор объекта изображения через символизм. Наличие смыслового подтекста. В каждом изделии автор передает личный message.

Основные характеристики:

1. Последним настоящий международный стиль и первый стиль доступный массовому потребителю.

2. Отражение объективной реальности, через подражание природе.

3. Многоликость. Стиль гениев одиночек.

4. Подчеркнутая двухмерность изображения.

5. Разнообразие прикладных предметов, выполненных в стиле.

Символы или константы стиля:

1. Томный образ женщины, с бесконечно-текучими волнами волос.

2. Стилизации и символизм диких растений, насекомых, перо павлина.

Стилизованные водные растения с узкими длинными стеблями и листьями – лилии, кувшинки, тростник. Причудливые очертания — ирисы, орхидеи, цикламены, хризантемы.  Ирис становится эмблемой модерна. Часто используют изображения лесных цветов — ландышей, купавки, одуванчиков, чертополоха, васильков.

3. Краски ар нуво – приглушенные, «природные», пастельные.

4. Для ювелирных украшений использование полудрагоценных камней и эмалей.

Либерти в Риме :: Сайт Марины и Клода

К концу XIX века в Европе, особенно в Англии, критики и художники были обеспокоены общим падением ремесел, вызванным индустриальной революцией. Им претил сам вид сделанных машиной дешевых и безвкусных имитаций декора, некогда обладавшего значимостью и благородством. Творческие люди стали мечтать о глубокой реформе в области искусства и ремесла, о том времени, когда на смену дешевой массовой продукции придет осмысленная и выразительная ручная работа. 

Знамя нового искусства было поднято в 1890-е годы. Архитекторы экспериментировали с новыми типами материалов и орнаментов. Неудивительно, что это открытие так и назвали «новым стилем» — модерном или «ар нуво».

Наиболее яркими его представителями являются бельгийский архитектор Виктор Орта (1861 – 1947), каталонец Антонио Гауди (1852 – 1926) и чешский художник Альфонс Муха (1860 – 1939). 

В Москве стиль модерн можно увидеть в особняке Николая Рябушинского, я там побывала вместе с моей сестрой в 2016 году. Рекомендую для посещения!

«Ар нуво» сначала возник в Бельгии и Франции в девяностые годы XIX века, потом это направление подхватили и другие страны. В Италию новый стиль пришел с десятилетним опозданием, получил название «Либерти» и характерен для первых двадцати лет XX века. В основном его можно увидеть в городах Пьемонта и Тосканы, например, в Турине и Виареджо. 

Мне нравится это направление в искусстве, и я попыталась найти его проявления в Риме. Сразу оговорюсь, что «чистый», утонченный и элегантный либерти севера Европы не характерен для Вечного города, но кое-что все-таки присутствует. В частности, элементы либерти можно увидеть в Галерее Шарра (Galleria Sciarra), которая находится совсем недалеко от фонтана Треви, обязательно туда загляните!

Вход бесплатный, галерея открыта в будние дни. Во время обзорной экскурсии по Риму я всегда стараюсь показать это место моим туристам.

Наиболее ярким выражением стиля либерти в Риме является вилла Ксименеса. Ей-то и будет посвящена основная часть моего рассказа.

Вилла была построена в 1902 году по заказу известного итальянского скульптура Этторе Ксименеса (1855 – 1926). Кстати, одну из его работ теперь можно увидеть в Эрмитаже. Это бюст известного русского живописца Константина Маковского (1839 – 1915), сделанный Ксименесом и подаренный Эрмитажу внучкой К.Е. Маковского, Татьяной Коростовец Жакье. 

Вилла Э. Ксименеса находится в Риме по адресу: Via Bartolomeo Eustachio, 2. В настоящее время она принадлежит религиозному институту и обычно закрыта для посещения. Но сегодня мне посчастливилось побывать там внутри и даже сделать несколько фотографий. Я с удовольствием поделюсь с вами моими впечатлениями. 

Этторе Ксименес, родившийся в Палермо, для строительства частной виллы – мастерской в Риме приглашает своего земляка – сицилийского архитектора Леонардо Патерна Балдицци. Сам Ксименес тоже участвовал в отделке и декоре своей виллы. 

Вилла представляет двухэтажное здание, сделанное из сицилийского туфа, с большими украшенными майоликой окнами и богатым фризом. 

Для ее строительства и отделки было использовано сочетание новых и старых материалов: бетонный цоколь, стены из кубиков коричневатого туфа, декоративные элементы из чугуна, майолик, штукатурки и белого цемента. Такие эксперименты с новыми типами материалов и орнаментов как раз являются одной из характерных черт стиля либерти. 

Сегодня я зашла в виллу с этого входа.

Настоящая красота находится внутри. Пойдемте смотреть! 

Потолки и полы радуют глаз:

В первой комнате на своде можно увидеть средневековые сюжеты:

Стремление преобразовать искусство через возвращение к средневековым идеалам также было характерно для того периода. 

А теперь пройдемте в зал:

Отказ от симметрии и использование гнутых линий также являются характерными чертами нового стиля. 

В зале можно увидеть фреску, на которой изображены древнеримские скульпторы:

На этой фреске можно узнать известного скульптора периода итальянского возрождения – Донателло. 

А здесь изображен великий скульптор периода барокко – Джан Лоренцо Бернини.

Таким образом, Этторе Ксименес, завоевавший признание именно как скульптор, отдает дань уважения скульптуре и великим ваятелям прошлого.

В вилле сохранилась мебель начала XX века. При первом взгляде на этот шкафчик кажется, что в нем нет ничего особенного.

Но присмотритесь более внимательно: как скрупулезно продумана каждая деталь.

Больше всего меня впечатлила чайная комната, которую я приберегла для вас напоследок. 

Вот оно царство либерти! Продуман до мельчайших деталей каждый элемент декора.

Такие замечательные полочки, сочетающие элементы из стекла и латуни, я бы не отказалась иметь у себя дома.

Для либерти характерно использование растительных элементов, природа являлась источником вдохновения.

Ножки у стола являются настоящим произведением искусства:

А на своде чайной комнаты целый гимн в честь природы!

Цветы, развевающие платья молодых богинь – это все типичные черты либерти.

А вам нравится «ар нуво» или либерти? Какие стили и направления в искусстве вас привлекают больше всего? Своими впечатлениями вы можете делиться в комментариях. Мне будет интересно узнать ваше мнение. 

Что касается меня, то я люблю все искусство от античности до современности, но предпочтение отдаю барокко, и в этом нет ничего удивительного, так как я обожаю Вечный город, а Рим – это, прежде всего, барокко. Но мой самый любимый стиль – это рококо. Надо будет написать про него статью. Продолжение следует…

С наилучшими пожеланиями! До связи. Марина в Риме

Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты | DesigNonstop

Модерн — стиль в живописи и архитектуре и его отличительные черты

7

Стиль модерн, он же Ар Нуво, однозначно является моим самым любимым стилем. Более того, дизайн моего сайта по всем признакам выполнен именно в стиле Ар Нуво, как оказалось. Это и синий цвет, и растительные орнаменты, и насыщенность композиции, и обилие плавных линий. Модерн очень интересный стиль в плане прикладного применения в живописи, архитектуре, декоре интерьеров. Именно благодаря этой своей практичной особенности распространяться на смежные сферы искусства, модерн обрел сегодня второе рождение. По крайней мере, очень удобно оформлять среду проживания в одном стиле, начиная с ограды у входа и заканчивая обложкой книги.

 
 

Модерн (от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного искусства.

 
 

В разных странах стиль модерн назывался по-разному: в США — тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции — Ар Нуво (фр. art nouveau, новое искусство), в Германии — югендстиль (нем. Jugendstil, молодой стиль), в Австрии — стиль Сецессион (Secessionsstil), в Англии — модерн стайл (modern style, современный стиль), в Италии — стиль либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst, в Швейцарии — еловый стиль (style sapin).

 
 

Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х и до 1914 года, начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Главным содержанием периода модерна стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, синтезу различных источников.

 
 

Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Стремление к целостности, пластичности внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции, динамика и текучесть форм и есть отличительные особенности стиля Модерна.

 
 

Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.

 

 

У истоков французского модерна стояли Поль Гоген и художники его круга. Также наиболее известным мастером Ар Нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Важную роль в развитии Ар Нуво во Франции сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. Значительное место в искусстве Ар Нуво принадлежит известным бельгийским архитекторам Анри ван де Велде и Виктору Орта. В Испании архитектор Антонио Гауди отличался наиболее индивидуальным и оригинальным вариантом Ар Нуво.

 
 

В Великобритании черты, характерные для нового стиля, появились в оформлении книг уже с начала 1880-х. Одним из наиболее известных художников-графиков Ар Нуво был Обри Бёрдсли, его эксцентричные рисунки иллюстрировали литературные произведения. Одним из ведущих представителей модерна в Великобритании был Ч.Р.Макинтош, шотландский архитектор и дизайнер, выполнявший самые разные художественные работы – от архитектурных проектов до эскизов обоев и изделий из серебра. Творчество Макинтоша оказало огромное влияние на развитие европейской архитектуры и искусства.

 
 

В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.

 
 

Также представителями модерна можно назвать следующих художников – Густав Климт, Альфонс Муха, Михаил Врубель, Амедео Модильяни, Анри Руссо, Фердинанд Ходлер, Ян Тороп, Андерс Цорн, Константин Коровин, Михаил Нестеров, Франц фон Штук, Валентин Серов, Макс Курцвайль, Константин Сомов, Александр Бенуа, Мстислав Добужинский, Борис Кустодиев.

 
 

Стиль модерн достиг высшей точки своего развития на рубеже 19–20 веков, но вскоре был забыт – ведущие архитекторы стремились теперь к простоте и ясности форм и проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к ручной работе. Богатый декор 1890-х годов уступил место геометрическим, ничем не украшенным поверхностям зданий начала 20 века. Ар Нуво вышел из моды и был открыт заново только пятьдесят лет спустя.

дом в стиле либерти в Брюсселе в Бельгии Фотография, картинки, изображения и сток-фотография без роялти. Изображение 12958053.

Дом в стиле Либерти в Брюсселе в Бельгии Фотография, картинки, изображения и сток-фотография без роялти. Изображение 12958053.

Дом в стиле либерти в Брюсселе в Бельгии

M L XL

Таблица размеров

Размер изображения	Идеально подходит для
Ю	Интернет и блоги, социальные сети и мобильные приложения.
м	Брошюры и каталоги, журналы и открытки.
л	Плакаты и баннеры для дома и улицы.
XL	Фоны, рекламные щиты и цифровые экраны.

Используете это изображение на предмете перепродажи или шаблоне?

Распечатать Электронный Всесторонний

4000 x 3000 пикселей | 33.9 см x 25,4 см | 300 точек на дюйм | JPG

Масштабирование до любого размера • EPS

4000 x 3000 пикселей | 33,9 см x 25,4 см | 300 точек на дюйм | JPG

Скачать

Купить одно изображение

6 кредитов

Самая низкая цена
с планом подписки

• Попробуйте 1 месяц на 2209 pyб
• Загрузите 10 фотографий или векторов.
• Нет дневного лимита загрузок, неиспользованные загрузки переносятся на следующий месяц

221 ру

за изображение любой размер

Цена денег

Ключевые слова

Похожие изображения

Нужна помощь? Свяжитесь со своим персональным менеджером по работе с клиентами

@ +7 499 938-68-54

Мы используем файлы cookie, чтобы вам было удобнее работать.Используя наш веб-сайт, вы соглашаетесь на использование файлов cookie, как описано в нашей Политике использования файлов cookie

. Принимать Лампа

✅ в стиле Либерти Image Royalty Free

лампа в стиле Либерти Image Royalty Free

Высокое разрешение JPEG Изображение старинной городской лампы в стиле либерти stock photo

Размер изображения без лицензионных платежей: маленький: 483 x 728 пикселей, средний: 836 x 1259 пикселей, большой: 1413 x 2128 пикселей, x_large: 2848 x 4288 пикселей, — Ориентация: вертикальная

Пожалуйста, купите коммерческую лицензию для коммерческого использования без указания авторства.
Город Уличный фонарь Электрическая лампа Вертикальный Старомодный Архитектура Город Фотография Нет людей

Связанные стоковые фотографии премиум-класса

Наша творческая команда хотела бы порекомендовать вам несколько фото из этой же категории:

лампа в стиле либерти винтаж в стиле либерти Установлено внешнее освещение Установлено внешнее освещение Настенные часы и улица Настенные часы и улица уличный фонарный столб уличный фонарный столб изолированные Городские огни, украшенные городскими огнями, украшенные уличный фонарь У стены дома Старая деревенская аллея со старой деревенской аллеей с уличный фонарь У стены дома Модная модная улица Современная модная улица Мост Александра III и уличный фонарь на Винтажный фонарный столб с винтажным фонарным столбом с уличный фонарь У стены дома Уличное освещение Изолированные Уличное освещение Изолированные Уличный фонарь в Уличном свете в Разноцветные огни Разноцветные огни Изолированный уличный фонарный столб Старый уличный фонарный столб Уличный фонарь горит ночью Уличный фонарь горит ночью Настенные часы и улица Настенные часы и улица Бронзовый ретро светильник на Красивом бронзовом ретро группа ярких улиц группа ярких улиц Традиционная улица Старая Медина крупным планом урожай крупным планом уличный фонарь Старомодная улица Старомодная улица Уличный фонарь крупным планом Уличный фонарь крупным планом Узкий переулок укромное местечко в Старый старинный фонарь-фонарь Старый старинный фонарь-фонарь элегантный винтажный уличный старый винтажный уличный фонарь фонарь в парке фонарь в парке Улица в Старом городе Фонарный столб с цветком

Меган Маккейн поделилась первыми фотографиями малышки Либерти Сейдж в ответ на «Взгляд»: «Материнство — это безумие»

Меган Маккейн вернулась из декретного отпуска — и впервые с момента родов в сентябре демонстрирует лицо дочери Либерти Сейдж.28. (Новоприбывшая ранее была сфотографирована спиной к камере, когда мать обнимала ее.)

Меган Маккейн поделилась первыми фотографиями дочери Либерти Сейдж после ее возвращения в The View . (Фото: Лу Рокко / ABC через Getty Images) МЕГАН МАККЕЙН

Маккейн, который все еще подключается из дома из-за пандемии коронавируса, вернулся в The View в понедельник с довольно горячей темой: детские фотографии. На фотографиях, опубликованных в дневной программе, а также в аккаунте Маккейна в Instagram и в журнале People , изображен трехмесячный младенец, развалившийся в постели, позирующий со своей знаменитой мамой перед рождественской елкой и попадающий в критический животик. время.

С высоким хвостом и черно-белым топом в ломаную клетку телеведущая рассказала о своем опыте молодой мамы.

«Быть ​​с новорожденным ребенком для меня было неожиданностью, потому что материнство, я думаю, как всем известно, было для меня непростым путешествием», — добавила она, ссылаясь на выкидыш, который у нее был в 2019 году. «Просто быть с ней — это как как я слышал, как [люди описывают] прием экстази. Это просто потрясающе, я был в этом пузыре любви и детства, а она просто идеальна.

«Такое ощущение, что вернул кусочек моего отца», — продолжила дочь покойного сенатора Джона Маккейна. «Это потрясающе. Мы с Беном так влюблены, а она такая дерзкая, дикая кошка — я имею в виду, сюрприз, сюрприз, она моя дочь ».

И хотя консерватор Маккейн и участник дискуссии Санни Хостин часто сталкиваются с политикой, две женщины поддерживали тесные отношения во время ее отпуска по беременности и родам.

«Она помогла мне, когда у меня был мастит в 2 часа ночи», — сказала новая мама о Хостине.«И вы все время говорили со мной о новом материнстве. Это было замечательно ».

Маккейн, которая решила не делиться фотографиями или личными данными о своей беременности до рождения Свободы, чтобы не подвергать себя «жестоким» комментариям, недавно опубликовала ретроспективные селфи, демонстрирующие ее шишку.

История продолжается

«Год был не так уж и плох», — написала она.

Подробнее с Yahoo Life:

Хотите получать новости об образе жизни и благополучии на свой почтовый ящик? Подпишитесь здесь для получения информационного бюллетеня Yahoo Life.

От Уильяма Морриса до Анны Винтур: Как свобода сделала искусство из моды | The Independent

«Это об искусстве носить одежду». Так куратор Кейт Грениер описывает Liberty: Art Fabrics & Fashion, выставку из более чем 100 предметов Liberty в галерее Dovecot в Эдинбурге. Открытие шоу совпадает с ежегодным Эдинбургским фестивалем искусств, и на нем представлены ткани и одежда за 143-летнюю историю лондонской компании.

Выставка Dovecot выросла из шоу, первоначально организованного в Музее моды и текстиля в 2015 году.Тем не менее, в Эдинбургской галерее представлены различные новинки и некоторые явно шотландские повороты, рассказывающие историю этого всеми любимого модного лейбла, чьи знаменитые принты сами по себе являются чем-то вроде произведения искусства.

Первый — привлечь внимание норвежского дизайнера Мэрион Дональдсон. Хотя Дональдсон менее известен, чем Барбара Хуланики из Biba, он возглавил один из самых успешных брендов Swinging Sixties в Великобритании, и ему приписывают распространение психоделии Лондона к северу от границы.Одним из ярких моментов шоу является собственное свадебное платье Дональдсона, типичное для шестидесятых годов, выполненное в синем цвете пейсли с мини-юбкой и надетое в важный день с колготками в сеточку и высокими сапогами.

Кафтан Liberty 1960 года с вышивкой шелком и атласом (Liberty London / Музей моды и текстиля)

(Liberty London. Изображение предоставлено Музеем моды и текстиля)

Компания, носящая имя Дональдсона, стала крупнейшим покупателем Liberty в Великобритании, используя ее отличительные особенности. цветочные и другие принты в дизайне, которые помогли создать теперь узнаваемые тенденции моды шестидесятых, семидесятых и восьмидесятых.Самое удивительное, что Дональдсон сделал все это без какого-либо формального обучения моде и дизайну, начав за кухонным столом с бюджетом всего в 50 фунтов стерлингов.

Второе крупное дополнение Dovecot — это презентация современного дизайнера с такой же стратосферной карьерной траекторией. Ричард Куинн основал свой лейбл только в 2016 году, окончив Central St Martins, но Греньер описывает свою карьеру как «феноменальную», и она не ошибается: недавно он одел Амаль Клуни для Met Gala.

Сейчас он, пожалуй, единственный модельер, который среди своих поклонников может отметить Анну Винтур и королеву Англии (пара, как известно, сидела рядом друг с другом в первом ряду показа Куинна на Лондонской неделе моды после того, как он выиграл премию Королевы Елизаветы II) .

Королева с Анной Винтур смотрели показ Ричарда Куинна в феврале

(Гетти)

После цифровой обработки отпечатка Liberty для использования в его показе MA, Куинн был приглашен компанией для использования их архива.Его профессиональный дебют состоялся в знаменитом магазине в Лондоне, а в июле 2018 года в продажу поступила совместная линия аксессуаров Quinn и Liberty’s.

Как и другой британский бренд Erdem, любящий цветы, визитная карточка Куинна — это способность сделать этот традиционный элемент модного наследия Великобритании свежим, современным и — в случае Куинн — смелым и даже смелым. Также стоит отметить, что дизайн подиума Куинн — это тип моды, который часто кажется более близким к скульптуре или произведениям современного искусства (было бы интересно увидеть, как Его Королевское Высочество носит один из его костюмов из лайкры в форме собачьего зуба — очевидно, это шелковые шарфы, которые она на самом деле благосклонности).

И именно этот переход между искусством и модой подчеркивает эта выставка. Грениер с энтузиазмом рассказывает о первых связях Liberty с движением Arts & Crafts позднего викторианского периода и о том, как ткани стали «предметом разговоров художников того времени, выступающих против истеблишмента».

Артур Ласенби Либерти основал свою компанию в 1875 году. Первоначальный успех бренда во многом был обусловлен одержимостью той эпохи Японией и Китаем — культурной тенденцией, которая так же четко прослеживалась в мебели и живописи, как и в тканях и украшениях.

Гравюра «Ианта» c1902 года, первоначально разработанная французским дизайнером в стиле модерн Р. Боклер и перерисованная студией Дэвида Хаварда

(Либерти Лондон)

Наиболее известна работа Викторианской Либерти с Уильямом Моррисом, который разработал некоторые из самых известных гравюр Либерти. . Здесь также есть прямая связь с Dovecot, поскольку ткачи-основатели студии изучали свое ремесло в мастерских Morris’s Merton Abbey в Уимблдоне, на юге Лондона. Первая волна интереса к тканям Liberty совпала с красноречиво названным Движением Artistic Dress Movement, когда женщины ослабляли корсеты, лифы и талии в пользу вздымающихся, свободных стилей, влияние которых можно было увидеть десятилетия спустя, когда хиппи 1970-х годов подхватили Liberty. принт мантии.

Во времена Морриса искусство и мода были неразрывно связаны, и женщин поощряли искать вдохновение для новых стилей в прерафаэлитских и эстетических картинах, которые, в свою очередь, были наполнены отсылками к средневековой Европе и Древней Греции.

И это не говоря уже о связях между Свободой и модерном (в Италии термин «Stile Liberty» фактически был придуман для обозначения стиля модерн), Свободы и Баухауса, Свободы и поп-арта.

Выставка в Эдинбурге, однако, демонстрирует еще одну связь между современным искусством и Свободой.На протяжении всего периода работы в Dovecot посетители галереи могут увидеть серию скульптур Люси Уэйман.

Универмаг The Liberty of London в 1925 году

(Liberty London)

Валлийский художник специализируется на завораживающих тактильных произведениях искусства, выполненных с использованием ремесленных техник, включая ткачество, завязывание узлов и макраме. Соответственно, Уэймана пригласили откликнуться на часть показа Liberty 1970-х годов (эпоха, когда макраме, вязание крючком и другие подобные поделки были большими новостями в моде).

Теперь, когда художник реагирует на одежду, созданную с использованием дизайнов Liberty — бренда, который традиционно реагировал на художественные движения, — создает красивый полный цикл взаимодействия между модой и искусством. Это также то, с чем Dovecot как компания знакома во многих отношениях.

Основанная в 1912 году маркизом Бьютом, Dovecot Studios позже была преобразована в Edinburgh Tapestry Company. Как и в случае с модой, такие ремесленные практики, как ткачество, иногда с трудом воспринимаются всерьез как «искусство».Но продукция Dovecot, как и Liberty, потрясающая. Если вам нужны доказательства, просто погуглите гобелен Butterfly от Элисон Уотт, созданный для Шотландской оперы. Dovecot также работал напрямую с множеством других художников, включая Дэвида Хокни и Р. Б. Китая.

Рекомендуется

Актуальность выставки Liberty для Dovecot можно ощутить и по другим причинам. Наряду с Дональдсоном на выставке представлены дизайны Жана Мьюира. Она родилась в Лондоне, но ее отец был из Абердина, а архив Жана Мюира принадлежит Национальным музеям Шотландии.

Мьюир начал работать в складском помещении в Liberty’s, прежде чем его повысили до создания эскизов для них. После этого она открыла собственную компанию, но продолжала использовать в дизайне ткани Liberty. На самом деле награда «Платье года» от Музея моды за 1964 год была вручена Мьюиру за платье, сделанное — из чего еще — шелка Свободы.

Одна из самых впечатляющих черт Liberty’s — это ее долговечность. Спустя более столетия после того, как Артур Сильвер впервые разработал знаменитый принт «Павлин», Liberty сотрудничала с Ив Сен-Лораном, Loewe, культовым лейблом Susie Cave The Vampire’s Wife и многими другими.Греньер упоминает о своей способности «изобретать себя заново для каждого поколения».

Архивный дизайн Liberty Бернарда Невилла (Liberty London Fabrics)

(Liberty London Fabrics.)

Так что же такого в Liberty, что означает, что мы все еще не можем насытиться им — и, действительно, хотим заполнить нашу художественные галереи с ним? «Качество» — это слово, к которому Grenyer постоянно возвращается: качество ткани, качество печати и качество дизайна, которым она становится.

В платье Liberty нет ничего одноразового; этот бренд — почти полная противоположность «быстрой моды», несмотря на то, что ему удавалось так стабильно оставаться в тренде.Возможно, это потому, что Liberty’s всегда в моде, но это также всегда искусство.

«Liberty: Art Fabrics & Fashion» находится в Dovecot Studios в Эдинбурге до 12 января (dovecotstudios.com).

Пять лучших принтов Liberty с более чем 140-летней историей

Мэтью Деннисон обнаруживает, как принты на тканях Liberty запечатлелись в сознании британцев, и выбирает пять лучших из их долгой и выдающейся истории.

С самого начала в тканях Liberty всегда преобладала цветовая гамма: с момента открытия в 1875 году лондонский универмаг продавал импортные шелка, отличающиеся мягкой текстурой и яркими оттенками, окрашенными в растительный цвет, а также экзотические ткани из таких далеких стран, как Япония. . «У Liberty есть люди, работающие на них во всем восточном мире», — написал в то время один журналист.

«Причудливые разносчики с пергаментной кожей бродят по всему Китаю вдоль и поперек, собирая вместе древние вышивки чудесных красок, и по всей Персии и среди храмов Индии происходит то же самое.’

Вот пять лучших принтов Liberty:

Гера

Среди старейших рисунков — Hera , названный в честь греческой богини, связанной с павлинами — птичьи перья были модным мотивом эстетического движения в последней четверти XIX века. Новые расцветки сохраняют его свежесть.

---

Фелисите

Дизайнер, которого можно узнать только по инициалам, Д. С. создал в 1933 году узор из розовых шлейфов Tana Lawn, который в настоящее время называется Felicite .Он вернулся в производство в 2001 году.

---

Бенгалия

Bengal , созданный Бернардом Невиллом в 1969 году, вернул восточные корни стиля Либерти в яркую обновленную палитру.

---

Петронелла

Вдохновленный рисунком 1820-х годов, ситец Petronella использует розовые тона персидского стиля, обнаруженные дизайнером в архивах Liberty.

---

Юстасия

Он предлагает керамику Изника, североафриканскую резьбу и более мелкие повторяющиеся узоры Morris & Co.В 1960 году Liberty выпустила Eustacia , крупномасштабный цветочный узор в стиле модерн, как часть своей коллекции Lotus. Спустя более полувека печать все еще остается ударопрочной и с высоким октановым числом.

---

Как принты Liberty заняли свое место в истории моды

В 1880-х годах сэр Артур Либерти описал «британскую портниху» как «смертельную оппозицию» мягким тканям: «Она привыкла работать с жесткими, жесткими линиями, и новый материал доставлял ей больше хлопот.Совершенно артистичная клиентура магазина не согласилась, и сэр Артур продолжил разработку собственного ассортимента тканей.

Он рекламировался как Liberty Art Fabrics и нанял Thomas Wardle & Co из Лика, Стаффордшир, в качестве основного красильщика и принтера, с Edmund Littler & Co, в аббатстве Мертон на берегу реки Уандл, на юге Лондона, ближе к дому.

По крайней мере, один ранний дизайн, хлопчатобумажный принт 1882 года Кристофера Дрессера, изображающий драконов на резном фоне, предполагает, что Liberty сознательно не отвергала современные декоративные стили.Однако в течение следующего десятилетия ткани компании заменили драконов на цветы, и именно приобретение обширных новых помещений в Чешем-Хаусе на Риджент-стрит вдохновило сэра Артура расширить свой молодой торговый центр, включив в него отдел одежды в 1883 году.

Так началась эволюция отличительных цветочных принтов, синонимом которых стало имя Liberty более века спустя, которые использовались для украшения всего: от штор и юбок до футляров для очков, яичных костюмов, радиоприемников Робертса и карманных дневников.Дизайнеры сотрудничали с Вивьен Вествуд, Nike и Barbour — в результате появилась восковая куртка, отделанная версией Liberty ткани Strawberry Thief 1880-х годов Уильяма Морриса.

Сэр Артур покупал образцы у разных художников и производителей, и в 1898 году один из директоров компании, Джон Хоу, прокомментировал: «Для нас неважно, откуда появился дизайн, если он обладает достоинствами, достойными того, чтобы быть поставлен перед публикой Домом Свободы. ‘

После своего назначения в 1889 году Джон Ллевеллин из отдела шелка Liberty заказал эксклюзивные для Liberty дизайны от дизайнеров, включая Чарльза Войзи.

Ранние коммерческие отношения с Silver Studio Артура Сильвера привели к созданию дизайна Гарри Нэппером, в узорах которого, как и в узорах Войси, использовались стилизованные цветы и листва таким образом, что Liberty находилась в авангарде развивающегося британского вкуса. Его дизайн в Кимберли 1902 года с крупными маками и кружащимися листьями, похожими на акант, был сделан из жаккардового тканого хлопка, который использовался в качестве мебельной ткани.

«Мы льстим себе тем, что создали новый« английский »период», — отметил Ллевеллин, говоря о тенденциях в декорировании в 1898 году.Возможно, он имел в виду такие проекты, как «Гортензии» Линдси Баттерфилд 1896 года, с их густым, сплошным рисунком цветочных головок и листвой, вдохновленной Моррисом и Ко. Уже с самого начала использование цветочных мотивов в Liberty ассоциировалось с квинтэссенцией англичанья, которое сохранила ее продукция.

Компания окажется как сторонником, так и бенефициаром движения модерн — извилистые естественные формы легко трансформируются в узор на ткани и обоях. Нынешний руководитель отдела архивов Liberty Анна Бурума объясняет привлекательность дизайнов их «новаторскими и необычными» качествами.В первые десятилетия 20-го века эти качества были полностью реализованы в серии смелых цветочных тканей, которые дизайнеры Liberty 1960-х успешно перекрасили и переименовали в Lotus Collection, аспект Swinging Sixties, окрашенный ностальгией.

К концу 1930-х годов ткани Liberty были настолько популярны и являлись ключевым аспектом товарных запасов магазина, что была создана оптовая компания Liberty of London Prints, чтобы воспользоваться растущим спросом. Дизайн все больше склонялся к консерватизму, и все больше экспериментальных узоров ограничивалось шелковыми шарфами.

В предыдущее десятилетие один из покупателей компании, Уильям Хейнс Порелл, обнаружил в Эфиопии, недалеко от озера Тана, шелковую хлопчатобумажную пряжу под торговой маркой Tana Lawn, ткань оказалась идеально подходящей для печати разноцветной сплошной разрабатывает и постоянно используется для одежды с принтом Liberty, от детских платьев до мужских галстуков.

В июле 1941 года «где-то в деревне» королева Елизавета сфотографировалась со своими дочерьми, принцессами Елизаветой и Маргарет Роуз.Королева носила три ряда жемчуга и летнее платье с цветочным узором в стиле Liberty Tana Lawn в розовых, пурпурных и голубых тонах на белом фоне. Поскольку Вторая мировая война еще не подошла к концу, цветные рисунки представляли пропаганду самого нежного толка.

Для Liberty сочетание инноваций и тщательного пересмотра проектов в обширных архивах компании способствовало ее долгосрочному выживанию. Сегодня его узнаваемый дизайн напечатан на различных тканях, от смесей бархата и льна до хлопка и корда Tana Lawn.Новые дизайны были созданы наряду с более «типичными» рисунками, которые сохраняют идентичность бренда, несмотря на смену моды — ключевой аспект философии Liberty, по словам руководителя отдела дизайна Liberty Art Fabrics Эммы Моустон.

Самый известный узор был французского происхождения: Ianthe , дизайн в стиле модерн, созданный Р. Боклером в 1900 году, возможно, был вдохновлен фиалками. Впоследствии он был перерисован студией Дэвида Хаварда и был произведен в цветовых решениях от шокирующего розового до охряного и слоновьего серого.В своей оригинальной цветовой гамме — средне-синем, бордовом и пурпурном — это фирменная ткань Liberty: притягивающая и почтенная, необычная и успокаивающе знакомая.

Liberty London (020–7734 1234; www.libertylondon.com)

B&B в стиле Либерти. Обзоры номеров и фотографии — Settimo Milanese 2021: Предложения и цены

Сколько стоит проживание в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти?

Цены в B & B в стиле Liberty Style могут меняться в зависимости от дат, политики отеля и других факторов.Чтобы посмотреть цены, выберите даты, на которые вы хотите остановиться в отеле.

Какой аэропорт ближе всего к B&B in Liberty Style?

Ближайший аэропорт — аэропорт Линате. Он находится в 33,5 км от отеля и примерно в 27 минутах езды на такси.

Какое время заезда и выезда в отеле B&B in Liberty Style?

Время заезда с 18:00, а время выезда до 10:00.

Предоставляет ли B&B in Liberty Style услуги трансфера из аэропорта?

Нет, отель типа «постель и завтрак» в стиле Либерти не предоставляет услуги трансфера из аэропорта.

Какие удобства и услуги есть в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти?

B&B в стиле Либерти предлагает следующие удобства и услуги: Wi-Fi в специально отведенных местах, водные виды спорта.

Есть ли у B&B in Liberty Style бассейн?

Нет, в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти нет бассейна.

Есть ли в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти удобства для фитнеса?

Нет, в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти нет фитнес-центров.

Предоставляет ли B&B in Liberty Style бесплатный Wi-Fi?

Да, в отеле предоставляется бесплатный Wi-Fi.

Есть ли в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти номера для некурящих?

Пожалуйста, просмотрите список гостиниц для получения подробной информации.

Предлагает ли B&B in Liberty Style завтрак?

Да, в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти есть завтрак.

Есть ли в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти ресторан?

Нет, в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти нет ресторана.

Есть ли парковка у B&B in Liberty Style?

Да, у отеля типа «постель и завтрак» в стиле «Либерти» есть парковка.

Есть ли в B&B in Liberty Style детские принадлежности?

Нет, в отеле типа «постель и завтрак» в стиле Либерти нет детских удобств.

Где находится B&B в стиле Либерти?

Адрес отеля: Via IV Novembre, 126. Отель находится в 2,9 км от центра города.

Находится ли B&B in Liberty Style недалеко от транспортных станций?

Ближайшая станция — Cadorna Station. Он находится в 10 км от отеля. Посмотреть на карте

Находится ли B&B in Liberty Style недалеко от популярных достопримечательностей?

B&B in Liberty Style находится недалеко от следующих достопримечательностей: Boscoincitta (Приблизительно 2.2 км), Парк Тренно (примерно 3,4 км), Кастелло Висконтео (примерно 3,8 км).

Есть ли в отеле B&B in Liberty Style горячие источники?

Нет, в отеле B&B in Liberty Style нет горячих источников.

Путаница со статуей Свободы приводит к выплате 3,5 миллиона долларов

Когда Почтовая служба США выпустила в 2010 году свои марки Forever с крупным планом Статуи Свободы, на самом деле это не было культовым символом свободы. .

Вместо этого это было лицо более миниатюрной копии, которая стоит на Лас-Вегас-Стрип и иногда наряжается в спортивные майки, чтобы отпраздновать события в Городе грехов.Как будто путаница не была достаточно неприятной, она также обойдется почтовой службе.

В пятницу федеральный судья постановил, что Почтовая служба должна выплатить 3,5 миллиона долларов Роберту Дэвидсону, скульптору копии из Лас-Вегаса.

Реплика Леди Либерти носит майку Las Vegas Aces, чтобы отпраздновать первый сезон команды WNBA 19 июня 2018 года. Предоставлено: Итан Миллер / Getty Images North America / Getty Images для MGM Resorts Int

Дэвидсон подал иск в 2013 году. заявив, что Почтовая служба нарушила его работу, которая была оригинальной и, следовательно, защищенной.В своем иске Дэвидсон сказал, что его копия «придала новое лицо культовой статуе — лицо, которое, по мнению зрителей, выглядело более« свежим »,« знойным »и даже« сексуальным », чем оригинал, расположенный в Нью-Йорке».

Правительство заявило, что ничего не должно Дэвидсону, потому что статуя является точной копией и не содержит оригинальных работ, что сделало бы его авторские права недействительными. Но суд не согласился, постановив, что работа Дэвидсона оригинальна в том, что «статуя, особенно лицо, была его собственным творением».«

« Сравнение двух лиц безошибочно показывает, что они разные », — писал судья Эрик Браггинк.

Как произошла ошибка?

В 2008 году Почтовая служба начала процесс поиска новых изображений для Марка Forever. Его тогдашний менеджер по разработке марок искал что-то «другое и уникальное» в изображении Статуи Свободы, потому что оно уже использовалось как минимум в 20 различных марках, согласно его показаниям в суде, которые кратко изложены в суде. мнение.

Статуя Свободы в Нью-Йорке и меньшая копия в Лас-Вегасе. Предоставлено: Getty Images

Решение было принято благодаря изображению статуи в Лас-Вегасе, которое появилось на фото-сервисе. Почтовая служба приобрела лицензию на эту фотографию. Несколько сотрудников Почтовой службы заявили, что они не выбрали бы это изображение, если бы знали, что это не настоящая Статуя Свободы.

Затем марка с изображением лица статуи в Лас-Вегасе поступила в продажу в декабре 2010 года вместе с маркой Forever с флагом США.

Три месяца спустя USPS узнал о путанице. Но к тому времени лицо копии из Лас-Вегаса было почти на 3 миллиардах марок, которые уже были напечатаны. Почтовая служба попыталась максимально использовать это в своих публичных заявлениях.

«Нам очень нравится изображение, и мы очень рады, что люди в каком-то смысле заметили», — сказал CNN в 2011 году представитель USPS. «Это то, что действительно нравится людям. Если вы спросите людей в Вегасе, они скажут:« Эй, Это здорово. Это замечательно ». Это определенно внесло азарт в нашу программу печати.«

В конце концов, марка Леди Свобода была списана в 2014 году после того, как было продано около 4,9 миллиарда, что составляет около 2,1 миллиарда долларов продаж.

Была ли работа Лас-Вегаса достаточно оригинальной? который стоит перед отелем и казино New York-New York, можно считать оригинальной работой.

Скульптор сказал, что его «Леди Либерти» не является прямой копией, и что ее лицо было «более современным» и «определенно более современным». женский.Дэвидсон также обратил внимание на различия в глазах, веках и верхней губе. Он сказал, что на него повлияло изображение его тещи, которое он использовал для создания своей окончательной версии статуи, которая была завершена в 1996 году.

Перед Федеральным претензионным судом США встал вопрос о том, была ли реплика «достаточно оригинальной, чтобы обеспечить защиту авторских прав, и было ли использование государством нарушения прав».

В конечном итоге суд встал на сторону Дэвидсона.

«Использованная часть был полностью из того, что мы считаем оригинальной работой, внесенной г-ном.Дэвидсона, — писал Брюггинк. — Единственная реальная защита правительства состоит в том, что его использование не нанесло особого вреда бизнесу истца как промышленного скульптора. Это может быть правдой, но мы также отмечаем, что это определенно не пошло ему на пользу. Почтовая служба не предложила публичных указаний или извинений ».

Тодд Байс, поверенный Дэвидсона, сказал в ответ на постановление:« Как отметил суд, художественное творение г-на Дэвидсона Лас-Вегаса Леди Свобода является в высшей степени уникальным и привлекательным. что побудило Почтовую службу США выбрать фотографию его работы для второй в истории Forever Stamp среди сотен других изображений.«

» «Слишком долго Почтовая служба пыталась игнорировать права таких артистов, как г-н Дэвидсон, просто забирая интеллектуальную собственность с постфактум с предложениями номинальной компенсации», — сказал он в электронном письме CNN.